Sogni di recitare?

L’insegnamento di Recitazione 1 di Action Academy è mirato ad affinare l’intensità comunicativa dello studente e a fornirgli strumenti concreti per gestire professionalmente la propria carica espressiva e poterla mettere a disposizione dei personaggi da interpretare.

La recitazione è fatta di creatività, estro, personalità, ma anche e soprattutto di disciplina, studio, conoscenza di se stessi e del proprio strumento creativo.

Partendo dall’impostazione base del metodo recitativo elaborato da Lee Strasberg presso l’Actor’s Studio, si intende sviluppare le potenzialità attoriali di ogni singolo allievo elevandone il livello qualitativo e rendendolo competitivo nel mondo dell’attuale mercato cinematografico e televisivo sia italiano che straniero.

L’insegnamento comprende un approfondimento della gestione delle dinamiche del set (sempre ed esclusivamente dal punto di vista dell’attore) e si propone di fornire agli studenti i necessari strumenti tecnici per affrontare professionalmente la recitazione davanti alla macchina da presa (acting on camera).

L’insegnamento di Recitazione 2, appoggiandosi, tra gli altri, su una prima parte della progressione di esercizi della tecnica Meisner, insiste sullo sviluppare una qualità dell’attenzione che permette all’attore di essere presente momento per momento, reagendo a ciò che realmente accade, rispondendo autenticamente alle circostanze immaginarie nella scena. Nel corso delle lezioni si introduce il concetto di analisi del testo e di ciò che un “personaggio” vuole in una determinata scena, per poi interpretarla, in classe.

Una buona conoscenza della propria voce è il primo passo verso una migliore comunicazione di sentimenti e storie da raccontare. Ognuno possiede una voce capace di esprimere l’intera gamma di emozioni, stati d’animo e pensieri che vengono traghettati dai personaggi che l’attore interpreta. Per questo è fondamentale correggere i difetti di pronuncia per rendere il proprio eloquio più fluido, sicuro e gradevole, modulando e potenziando la voce nella sua naturale timbrica e conoscendo le infinite possibilità tonali, ritmiche ed espressive che essa contiene. Le lezioni di Dizione prevedono oltre all’insegnamento delle regole della dizione per parlare correttamente l’italiano, anche l’uso consapevole della voce nella respirazione, nell’emissione vocale, nel controllo delle pause, dei volumi, delle tonalità, del ritmo e nella conoscenza dei risuonatori, nostri naturali amplificatori.

Le lezioni del primo anno sono dedicate alla dizione ed educazione della voce:

Conoscenza del proprio apparato fonatorio e sua gestione tecnica per una corretta e naturale emissione della voce; individuazione delle dislalie e correzione delle stesse con l’ausilio di tecniche logopediche; studio della dizione italiana ed esercizi per la sua corretta pronuncia; eliminazione di cadenze dialettali, problemi di articolazione e di respirazione, al fine di rendere l’interpretazione dei ruoli affidati più sicura e comprensibile.

Il primo anno si concentra sulla lettura corretta di brani tratti da racconti e romanzi della letteratura nazionale ed internazionale, con particolare riferimento a quelli che hanno ispirato film televisivi o cinematografici.

L’arte del doppiaggio è una vera professione altamente specializzata, che può diventare un’utile integrazione al mestiere dell’attore, sia nel settore cinematografico, che in quelli dello speakeraggio radiofonico, televisivo, pubblicitario e documentaristico.

L’insegnamento di Doppiaggio è finalizzato all’apprendimento delle tecniche del doppiaggio cinematografico, televisivo e radiofonico, attraverso le quali, gli allievi sono in grado di doppiare se stessi, qualora fosse necessario, come integrazione alla presa diretta di eventuali film, cortometraggi o interviste. Le qualità necessarie ad un aspirante doppiatore sono, oltre alla ‘bella voce’ (che non è indispensabile, visto che ci sono tanti doppiatori dotati di voci particolari e non canonicamente ‘belle’), anche la capacità di immedesimarsi velocemente nei personaggi da interpretare. La naturalezza e la verità interpretativa, sopraggiungono dopo l’apprendimento e la pratica della tecnica.

Una volta acquisita sicurezza, scioltezza recitativa ed uso corretto della dizione, gli allievi si propongono al leggìo, con caratterizzazioni particolari (doppiaggio dei cartoni animati, doppiaggio di anelli di film stranieri e doppiaggio di se stessi ).

Il programma di Musical indirizza il futuro performer  a comprendere quali abilità caratterizzano l’attore-cantante-ballerino e lo distinguono dall’attore di teatro nel senso ortodosso del termine. Durante le lezioni si affrontano argomenti teorici essenziali quali la fisiologia del suono, la storia della Commedia Musicale, la tassonomia dei generi e le differenze tra repertori, ma anche l’affinamento di abilità pratiche che stanno alla base del toolkit dell’interprete di Musical. Particolare attenzione si pone allo sviluppo dello strumento “voce”, vero e proprio capitale dell’attore, che viene scomposto, analizzato, rafforzato e preparato in tutta la sua estensione ad affrontare partiture di Musical Theatre impegnative come quelle che si sono susseguite tra gli anni ’70 e gli anni ’90. Da un punto di vista coreografico, particolare attenzione si pone sullo studio di scene studies, ovvero veri e propri draft tratti dal repertorio coreografico originale di coreografi famosi di Musical Theatre quali Bob Fosse o Jerome Robbins.

Il programma di Combattimento Scenico è diviso in due fasi:

1. Prima fase: Potenziare l’ascolto dell’attore, spostare la sua attenzione fuori da sé, risvegliare e connettere i suoi reali impulsi, riconoscere e sbloccare i possibili schemi di comportamento, affinché possa essere presente e reagire genuinamente nel qui ed ora. Lavorare con il corpo significa scoprire e connettersi con ciò che sentiamo emozionalmente e fisicamente. Durante la prima parte del lavoro gli attori si allenano a mantenere la propria attenzione verso l’esterno e soprattutto verso l’altro. Il primo obiettivo del lavoro è portare l’attore a fidarsi del proprio istinto e farsi guidare dal flusso contraddittorio e vertiginoso dei propri impulsi. Per poter essere libero di seguire i propri impulsi l’attore deve rinunciare al controllo, smettere di cercare garanzie e darsi il permesso di sbagliare. Una volta risvegliata l’attenzione, gli allievi imparano ad attivare il corpo, per connettersi con la loro verità fisica ed emotiva: ogni movimento del corpo, ogni posizione fisica produce una risposta emotiva che è direttamente collegata con mente ed emozioni.
2. Seconda Fase: Allenare il muscolo dell’immaginazione; incorporare le azioni fisiche e le restrizioni di movimento sul set; sviluppare la capacità di seguire qualsiasi indicazione senza perdere la spontaneità; imparare ad abitare una sequenza di movimento imposta e darle vita; comprendere l’importanza di lavorare su Ciò che vedo piuttosto che su Ciò che vedono in me. Spesso su un set l’attore si trova a dover affrontare determinati movimenti o a stare fermo per necessità della macchina da presa. Ci sono segni, cambi di luci, percorsi specifici, e movimenti coordinati al testo che l’attore deve essere in grado di ripetere più volte. È compito dell’attore far sparire la parte tecnica e meccanica per far apparire la vita davanti l’obiettivo. Il modello sistemico permette di viaggiare ripetutamente attraverso un percorso stabilito di segni ed esplorare al suo interno attraverso ritmo, dimensioni e tempo le infinite possibilità. L’immaginazione si allena attraverso l’attenzione.

L’obiettivo del programma del primo anno è migliorare la consapevolezza corporea degli studenti, trasformando il corpo “ordinario” della vita quotidiana in un nuovo corpo “extra-ordinario”, più cosciente, più autodisciplinato e più sensibile. L’allievo impara ad avere maggiore padronanza del movimento e del ritmo, della gestione dello spazio e della relazione con l’altro, oltre che una coscienza scenica più matura, che sappia trasformare le pulsioni emotive (paura, stress e ansia) in energia al servizio dell’attore.

Il focus è sulla conoscenza e la consapevolezza dell’allievo nel movimento. Riconoscere ed imparare a liberarsi delle tensioni cambiando le abitudini che interferiscono con l’uso libero del proprio corpo. Vengono sviluppate le relazioni nello spazio attraverso esercizi di gruppo mirati ad esplorare gli aspetti dei gesti, restando in una verità emotiva. Nel programma sono inserite: tecniche di rilassamento, tecniche di potenziamento e allungamento muscolare, gestualità e tecnica della postura, conoscenza del corpo e analisi del movimento durante l’azione.

L’insegnamento di Analisi Filmica ha come tema principale il rapporto tra Cinema e Psicologia e prevede la visione di film del Cinema italiano e internazionale, dagli albori alla contemporaneità. In seguito alla visione, gli allievi sono chiamati ad analizzare elementi chiave del prodotto cinematografico: sceneggiatura, regia, cast artistico, fotografia. Il modulo si incentra su discussioni legate all’analisi dei film proposti e si presta ad essere un luogo di incontro per parlare dei film, traendo da essi temi importanti e confrontandoli con esperienze di vita reale. Attraverso argomenti legati a prodotti cinematografici e a tematiche esistenziali e in stretta connessione con l’arte della recitazione, gli allievi sono chiamati ad esprimere il proprio senso artistico, la creatività e capacità di immaginazione attraverso la realizzazione di componimenti scritti e/o prodotti multimediali.  I film portano a fuggire dalla realtà, fanno riflettere e sono “portatori sani” di una molteplicità di stati d’animo, di emozioni, di sensazioni, di vita vissuta e pertanto gli attori potranno indagare la loro interiorità. I componimenti scritti dagli allievi potranno essere adattati a monologhi ed essere utilizzati eventualmente come materiale di studio.

L’insegnamento si pone l’obiettivo di spiegare l’importanza che riveste un’agenzia nel lavoro dell’attore, nonché il ruolo dell’agente cinematografico. Nelle lezioni del primo anno gli attori imparano a presentarsi sui canali social e davanti ad un casting director. Durante le lezioni illustrate tutte le fasi del lavoro di un agente: dalla cast-list fino alla contrattualistica con esempi pratici anche con l’aiuto di attori professionisti in specifiche masterclass.

Durante l’anno vengono presentati esempi di veri e propri progetti cinematografici, per analizzare il processo di selezione da parte dei casting director ed il flusso di lavoro che un attore deve affrontare durante la sua carriera.

Il percorso si propone di fornire agli allievi gli strumenti necessari per creare e sviluppare un personaggio attraverso la ricerca della naturalezza, nonché quello di comprendere come affrontare e superare le difficoltà di un provino. Un percorso suddiviso in fasi: dal lavoro sul testo, al lavoro sul proprio sé in favore del personaggio, fino alla conoscenza della macchina da presa come strumento che di per sé ha vita e può creare vita.

Durante le lezioni i ragazzi si misurano con delle scene estrapolate da film e serie tv, che devono imparare a memoria e recitare davanti la macchina da presa.